VILLA ADRIANA A TIVOLI

Un lugar que seguramente no te puedes perder de visitar es la Villa Adriana que se encuentra a 23 kilómetros de Roma en las afueras de Tivoli.

Canopus  y Serapeum (piscina y gruta)

La villa de Adriano mas conocida como villa Adriana es uno de los mas famosos complejos arqueológicos de Roma, fue creada por el emperador Adriano como lugar de retiro, ya que se dice que no le gustaba el palacio del monte Palatino, es aquí donde paso sus últimos anos  de vida y desde donde gobernó el entero imperio, contaba con una corte que vivía allí para servirlo ademas de un servicio postal para estar en comunicación con Roma.

Luego de la muerte de Adriano la villa fue usada por varios sucesores pero durante el declive del imperio la villa cayó en desuso y quedó parcialmente en ruinas. En el siglo XVI, el cardenal Hipólito II de Este hizo trasladar varias estatuas y mármoles de la villa para decorar su propia residencia, entre las estatuas se dice que  había una copia del discobolo de Mirón, las ocho musas de Cristina de Suecia y posiblemente la Diana de Versalles que se encuentra en el museo de Louvre.

La villa Adriana comprendía mas de 30 edificios con una extensión de al menos un kilometro cuadrado, fue el mas grande ejemplo romano de jardín tipo alejandrino, recreando un paisaje sagrado.

cocodrilo al canopo - villa Adriana

Una de las partes de la villa mejor conservadas y mas sorprendentes son la piscina Canopus (canopo) y la gruta Serapeum. Se puede ver que del agua emerge un cocodrilo esculpido en todo detalle.

Una anécdota involucra al Serapeum y su cúpula en forma peculiar. Un destacado arquitecto de la epoca. Apolodoro de Damasco, despreció  los diseños de Adriano, comparando la cúpula del Serapeum con una "calabaza" diciendo: "vete y dibuja tus calabazas, no sabes nada de arquitectura". cuando Adriano se convirtió en emperador, Apolodoro sufrió el exilio y mas tarde ordenó  su muerte.

Una parte interesante de la villa es el llamado Teatro Marítimo que consiste en un pórtico redondo con una bóveda sostenida por pilares, dentro del pórtico hay una piscina en forma de anillo con una isla central que en la antigüedad estaba conectada con el pórtico por dos puentes levadizos, en la isla hay una pequeña villa romana completa, con un atrio, una biblioteca y pequenos banos, la zona seguramente fue usada probablemente por el emperador como un retiro de la atareada vida cortesana.

Entre los edificios mas importantes tenemos:

• La plaza de Oro, grandiosos peristilo
• El Pericle, reconstrucción de la Stoà poikile (pórtico pintado) 
• Edificio con tres exedras
• el teatro griego
• Las termas pequenas, destinada a os sirvientes
• Las termas grandes, destinadas a la nobleza
• Templete circular de Venus
• Los cien cuartitos, destinados al personal de sevicio

Se puede decir ademas que hay una planificación previa en la construcción, ya que debajo se excavaron previamente una serie de túneles y galerías que permitían el movimiento del servicio y de los animales, sin tener que mezclarse así con el emperador y sus invitados, que podían disfrutar libremente del complejo.

Italy Travels te ofrece la posibilidad de reservar con anticipación tus boletos de ingreso con la audio guía que explica las características de esta maravillosa villa.

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TIZIANO A LA GALERIA DE LOS UFFIZI DE FLORENCIA!!

Tiziano Vecellio nació en Venecia, la fecha exacta de su nacimiento no es clara se piensa que fue entre el 1473 y el 1490.  Tiziano fue un artista innovador, fue uno de los pocos pintores italianos dueño propio de su empresa, directamente en contacto con los potentes de la época. el renuevo de la pintura de la cual fue autor, se baso, en alternativa al miguelangiolesco "primado del diseño" sobre el uso de colores personalizados.

Entre las obras expuestas en la galería de los Uffizi tenemos:

Venus de Urbino- Galería de los Uffizi

 La Venus de Urbino: conocida también como la Venus del perrito, es un óleo sobre lienzo realizado en el 1538 por tiziano. En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis; desde 1736 se encuentra en la Galería de los Uffizi.

La pintura representa una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por done entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentra dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando las ropas. A los pies e la joven desnuda duerme un perrito, la presencia del perrito es el signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quien es, algo mas el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, dormido.

La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino" ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia , realzada en el contraste con el oscuro del fondo. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y esta acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante linea oblicua.

Flora - Galería de los Uffizi

Flora : Se conserva en la galería de los Uffizi, que se data al 1515, la obra seguramente tuvo un notable suceso desde el inicio de su creación, ya que tuvo una serie de desplazamientos en los seiscientos en los mercados artísticos entre Bruselas y Viena, pasando de museo en museo. Llego a la galería de los Uffizi por un cambio que se realizo entre el museo de Viena que era rico de obras de la escuela veneciana, pero que no tenia muchas obras de la escuela Toscana. Así llegaron a Florencia obras de  Durer, Giorgione, Bellini, Tiziano y otros mas.

El cuadro representa una mujer de la belleza ideal que ha sido retratada de medio cuerpo, vestida con una blusa amplia con pliegues que le ca sobre el  hombro izquierdo que casi le descubre un seno, con una mano tiene una manta, en la otra tiene un puñado de hojas y flores. 

Ampliamente in debate ha sido el significado de la imagen: a lo mejor una cortesana, como indicarían algunas inscripciones grabadas, podría ser aunque el símbolo el amor nupcial aunque si el vestido que lleva no es el de una novia, el puñado de flores en la mano hace pensar que sea Flora la diosa de la Primavera.

Tantas obras de Tiziano se encuentran en diversos museos, como por ejemplo "Magdalena penitente" y "Bella" que se encuentran en la galería Palatina, " presentación de Maria en el templo"  en la galería de la Academia, la celebre obra "Amor Sacro y Amor Profano", "Cristo de la columna" en la galería Borghese , "la Piedad" a la galería de la Academia de Venecia.

Reservando con anticipación tus boletos te evitaras las largas colas en algunos de los museos mas importantes de Italia.

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Tres obras maestras de Rafael a la Galeria Palatina:

Tres de las obras maestras del gran maestro Rafael se encuentran expuestas en la Galería Palatina que se encuentra ubicada en una de las alas de Palacio Pitti, reserva tus boletos de ingreso con anticipación!!

Mujer con el velo de Rafael 

Mujer con el velo: (en italiano Donna velata), esta obra se encontraba en Florencia en la casa del mercante Mateo Botti, donde fue visto por Giorgio Vasari (Le vite), Vincenzo Borghini (Il Riposo 1584)y el Bochi (Belleze de Florencia 1591). En el 1619 fue comprado por la familia de los Medici.

Passavant, que noto el parecido e la protagonista con al virgen de la Madonna Sistina y con una de las Sibille de Santa Maria della Pace supuso que era un retrato de la Fornarina, la amante de Rafael. De la misma idea fueron Morelli, Cavalcasselle, Gruyer y Ridolfi, mientras tenían una idea diferente Springer y Filippini (que hizo el nombre de Lucrezia de la Rovere). 

Sobre un fondo oscuro el retrato de una mujer joven, volteada de tres cuartos hacia la izquierda. El titulo tradicionalmente deriva de la cabeza con el velo, el brazo izquierdo esta apoyado sobre un parapeto hipotético apenas sobre el borde inferior del cuadro metiendo en evidencia la manga , donde la seda crea profundos pliegues y reflejos brillantes de extraordinaria cualidad con preciosas variaciones de blanco sobre blanco. Grande cuidado ha sido puesto también en la presentación de la blusa encrespada sobre el pecho. El rostro con lineas purísimas es enmarcado de los cabellos oscuros y de la sombra del velo, evidenciando con efectos de esfumado derivados del ejemplo de Leonardo. La mano derecha esta apoyada al pecho, un gesto que de solito indica devoción religiosa, los bordados dorados, los collares con esmaltes figurados, el diadema con piedras preciosas y con una perla recuerdan el alto estado social de la mujer.

Virgen con el niño

La Virgen con el niño: ( Madonna del gran duca), la primera noticia que se tiene de este cuadro es cuando el director de la Galería de los Uffizi (noviembre del 1799) escribió al gran duque Fernando III que había adquirido este cuadro de un comerciante de Florencia. Intervino el duque y pocos meses después de la tela entro a formar parte de la colección del palacio Pitti. Por haber pertenecido a Fernando III, Gran Duque de la Toscana, se la conoce como Madonna del gran duque.

Probablemente fue pintada en el ano 1505, poco después de que Rafael llegase a Florencia. La influencia de Leonardo da Vinci, cuyas obras consiguió conocer allí, puede verse en el uso del esfumado.

En este cuadro la Virgen Maria esta representada en pie, con un vestido rojo y un manto azul mientras tiene en brazos al Niño Jesus sobre un fondo negro. A través de algunas radiografía se ha descubierto que en principio a espaldas de la Virgen, a su izquierda, se abría una ventana en forma de arco que daba a un paisaje.

Virgen de la silla

Virgen de la silla: (en italiano Madonna de la Segliola)Una tradición popular cuenta que la inspiración para esta obra le vino a Rafael mientras transitaba por Velletri, donde vive una campesina del lugar que  mecía su hijo en su regazo.

La obra muestra Maria sentada sobre una silla, de aquí el nombre, tiene el Niño en un abrazo tierno, y mira verso el espectador. Asiste al niño San Juan, a derecha, que da un gesto de oración a Maria, sobresaliendo de un fondo oscuro. La virgen alza una de sus piernas, tapada de un paño azul que casi resbala en adelante, en modo de crear un ritmo circular que parece querer sugerir el movimiento del mecer. Ella inclina la cabeza hacia su hijo,  haciendo tocar las dos cabezas y creando una situación de intima dulzura familiar.

Extremamente curados son los detalles que la convierten en una obra de grande refinamiento formal. Del brillo de los flecos dorados  sobre el respaldar de la silla, a los bordados de la manta de la Virgen, hasta el enfoque de los colores calientes y fríos (azul, verde, rojo, amarillo), que hacen de la obra "indudablemente uno de las mayores obras de arte del Renacimiento".

No solo podras apreciar estas tres obras maestras de Rafael sino muchas obras mas de artistas conocidos en todo el mundo, con el mismo boleto podrás también acceder al museo de Arte Moderno, prenota ahora mismo y evita perder tu maravilloso tiempo en las colas de las boleterias.

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LA PRIMAVERA DE BOTTICELLI EN LA GALERIA DE LOS UFFIZI DE FLORENCIA

"La Primavera" una de las obras maestras  del grande pintor italiano Sandro Botticelli, la puedes ver visitando la galería de los Uffizi de Florencia reservando con anticipación tus boletos de ingreso evitando así las enormes colas al ingreso de este museo.

La Primavera de Botticelli-Galeria de los Uffizi

Un inventario de 1499, que no se descubrió hasta 1975, enumera la propiedad de Lorenzo di Pier Francesco y su hermano Giovanni y permite afirmar que en siglo XV "La primavera" estaba en una antesala adyacente a las habitaciones de Lorenzo di Pier Francesco en la ciudad de Florencia, luego debió trasladarse a la villa de los Medici en Castello, donde la situa Vasari en 1551, quien decía que representaba a "Venus", adornada con flores por las Gracias, anuncia la llegada de la Primavera.

Es una obra en formato grande que no era inusual en las residencias privadas de las familias poderosas, esta obra esta llena de cultura humanística y neoplatónica, con un tono narrativo situado fuera del tiempo real. Se presenta una atmosfera de fabula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano.

Botticelli opta por un fenomeno monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.

Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas ligeramente alargadas, muy idealizadas, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortes del manierismo del siglo XVI. Como fuente de iconografía para la representación de las tres Gracias, Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti.

Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes.

Detalle del vestido de Flora

La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al coro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, arboles tradicionalmente relacionados con la familia Medici, detrás de Venus hay un mirto planta tradicionalmente sagrada para ella, mientras la parte derecha esta hecha de arboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que seria una alusión al novio, Lorenzo.

El suelo es una capa de hierba oscura en la que aparecen flores que nacen en el mes de mayo. Son tambien reconocibles las de Flora, en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres, en torno al cuello una corona de mirto, en la mano lleva rosas y por ultimo va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas.

Una de las obras mas citada como posible fuente para esta escena son los Fastos de Ovidio, un calendario poético  que describía las festividades romanas. La fiesta de Florea se llama Floralia. En el mes de mayo relata como Flora fue una vez la ninfa  Cloris, que exhalaba flores al respirar. Suscito una pasión ardiente en Céfiro, dios de viento, quien la siguió y la tomo como esposa por la fuerza. Arrepintiéndose de su violencia, el dios la transforma en Flora, y como regalo le da un hermoso jardín en el cual reine eternamente la Primavera.

Ala galería de los Uffizi uno de los museos mas importantes de Florencia podrás apreciar "La Primavera" de Botticelli ademas  del mismo autor encontraras "El nacimiento de Venus" otras de sus obras maestras y no solo, esta galería cuenta con cuadros de autores famosos en todo el mundo.

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CON UN SOLO BOLETO: MUSEO DE LAS PLATAS, PORCELANAS, TRAJES Y MUCHO MAS

Un único boleto con el cual podrás visitar: el Jardín de Boboli + El museo de las platas + La Galería del Traje +Museo de las Porcelanas + Jardín Bardini!!!

Situados en el interior del Palacio Pitti, podrás apreciar estos museos :

museo de la platas

Museo de las platas: Los Medici eran conocidos por la pasión que tenían por los objetos valiosos, la cual se manifiesta en la extraordinaria colección de corte, que hoy se exponen en el Museo de las Platas.

Joyas camafeos, pequeños objetos de mobiliario decorado con perlas y piedras preciosas se guardaban en hermoso bargueños de caoba y piedras duras. El gusto de los Gran-Duques se complacía en encomendar lujosos objetos en piedras duras o cristal de roca , ámbar o marfil, como vasos, copas y fuentes de mesa, sin olvidar los valiosos relicarios en estilo barroco.

Vestido a la Galeria de los trajes

Galería de los Trajes: Las salas de los apartamentos de la Meridiana, residencia de los últimos Gran-Duques de Toscana alojan la colección de trajes históricos, desde los fines del siglo XVIII hasta el día de hoy. La colección que ha nacido de un primer núcleo guardado en el Palacio Pitti, ha crecido con lo años gracias a adquisiciones importantes y a donaciones. Empezando por los trajes de 1700, con los vestidos se describe la historia de la moda en 1800 hasta el día de hoy. Aquí están expuestos también los trajes de Cosme I Medici y de su esposa Leonor de Toledo y de uno de los hijos, don Garcia. Estos trajes se han sacado de la tumbas de los Medici y restaurados por la Galería y representan ejemplos rarísimos de ropa original de 1500.

vaso del museo de las porcelanas

Museo de la Porcelanas: En la cima de la colina de Boboli, la linda construcción llamada "Casino del Cavaliere", es la sede del museo de la porcelana. En las tres salas están expuestas, repartidos por lugar de producción, las vajillas de mesa y los objetos de los Medici, de los Lorena y de los Reyes de Italia, hechos en este material valioso, cuyo secreto ha sido guardado por los chinos. Después del descubrimiento del "arcano" en Meissen, desde la fabrica alemana, donde comparaban también los Medici, el secreto ha llegado a toda Europa. En el curso del siglo han nacido todas las fabricas documentadas aquí: La fabrica de Viena, que producía piezas favoritas de los Gran-Duques Lorena para las ocasiones, la de Sevres y la de Ginori, que la corte utilizaba a diario.

Jardín Bardini: El jardín anexo a la villa donde vivía el famoso anticuario florentino Stefano Bardini, ha sido recientemente restaurado y llevado otra vez a su belleza original, recuperando la variedad de sus aspectos. Es una combinación de zona plantada al estilo de jardín ingles con reparticiones geométricas a la italiana a lo largo de la bajada de la colina, marcado por una escalera monumental del 1700 que en la cima tiene una terraza bellísima, creada por Bardini, con gran gusto el anticuario agrego a la arquitectura que ya estaban, columnas, relieves y otras decoraciones e sus colecciones. Aquí los turistas que la visitan pueden apreciar el panorama espectacular sobre Florencia que se ve desde este punto de la colina.

Jardín de boboli: el jardín de Boboli es la mayor área verde dentro de las murallas de Florencia, fueron los Medici quienes después de haber comprado el Palacio Pitti en 1549, empezaron a arreglar en forma de Jardín la colina detrás del Palacio y las tierras a lado donde los Pitti tenían viñedos. Según el gusto del Renacimiento, el jardín a la italiana organiza en esquemas geométricos y regulares el espacio natural y combina arboles, prados y setos con estatuas, fuentes, grutas artificiales, creando así una unión perfecta entre arte y naturaleza.

jardin Bardini

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LOS FOROS ROMANOS: CON TICKETSROME RESERVA AHORA MISMO!!

Para que perder tiempo reserva ahora mismo tus boletos y conoce personalmente estos maravillosos monumentos del antiguo Imperio Romano!!!

Los Foros Imperiales Romanos

El Foro Romano era el foro de la ciudad de Roma, es decir, la zona central en torno a la que se desarrolló la antigua ciudad y en la que tenían lugar el comercio, los negocios, la prostitución, la Religión y la administración de justicia. En el se situaba el hogar comunal. Series de restos del piso muestran que sedimentos erosionados desde las colinas circundantes ya estaba elevando el nivel del foro en la primera época de la República. Originalmente había sido un terreno pantanoso, que fue drenado por los Tarquinios mediante la Cloaca Máxima.

Actualmente es famoso por sus restos, que muestran el uso de los espacios urbanos durante el Imperio Romano. El foro Romano incluye los siguientes monumentos: Templo de Castor y Polux, Templo de Romulo, Templo de Saturno, Templo de Vesta, Templo de Venus y Roma, Basílica Emilia, Basílica Julia, Arco de Septimio Severo, Arco de Tito, Rostra (la tribuna desde donde los políticos daban sus discursos a los ciudadanos romanos), Curia Hostilia (sede del senado), Basílica de Majencio y Constantino, Tabulario, Templo de Antonio y Faustina, Regia, Templo de Vespasiano y Tito, Templo de la Concordia, Templo de Jano.

Un camino procesional, la Vía Sacra, cruza el Foro Romano conectandolo con el coliseo. Al final del Imperio perdió su uso cotidiano quedando como lugar sagrado.

Foros Imperiales y Coliseo Romano

El ultimo monumento construido en el foro fue la Columna de Foca. Durante la edad media, aunque la memoria del Foro Romano persistió, los edificios fueron en su mayor parte enterrados bajo escombros y su localización, la zona entre el monte Capitolino y el Coliseo, fue designada Campo Vaccinio o campo Bovino. El regreso del papa Urbano V desde Avinon en 1367 despertó un creciente interés por los monumentos antiguos, en parte por su lección moral y en parte como cantera  para construir nuevos edificios. Se extrajo gran cantidad de mármol para construcciones papales (Vaticano principalmente) y para cocer en hornos creados en el mismo foro para hacer cal. Miguel Angel se opuso muchas veces  ala destrucción de estos restos Los artistas de los finales del siglo XV dibujaron las ruinas del Foro, los anticuarios copiaron inscripciones desde el siglo XVI y una excavación profesional fue comenzada a finales del siglo XVIII. Un cardenal tomo medidas para drenarlo de nuevo y construyo el Barrio Alessandrina sobre el. no obstante, la excavación de Carlo Fea, quien empezó a retirar los escombros del Arco de Septimio Severo en 1803, y los arqueólogos del régimen napoleonico marcaron el comienzo de la limpieza del Foro, que no fue totalmente excavado hasta principios del siglo XX.

En su estado actual, se muestran juntos restos de varios siglos, debido a la practica romana de construir sobre ruinas antiguas.

Existieron foros en otras zonas de la ciudad pero los mas importantes son los Foros Imperiales que formaban un complejo con el foro romano. Estos eran el Foro de Cesar, el Foro de Augusto, el Foro de Nerva y el Foro de Trajano. Los planificadores del régimen de Mussolini retiraron la mayor parte de los estratos medievales y barrocos y construyeron una carretera entre los Foros Imperiales y el Foro.

Reservando anticipadamente con Italy Travels evitaras las enormes colas al ingreso y no perderás tu maravilloso tiempo!!!

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LA PIEDAD DE MIGUEL ANGEL: RESERVA EL TOUR A LA BASILICA DE SAN PEDRO!!

Vasari dijo de ella: "es una obra a la que ningún artífice excelente podrá anadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder  de finura, tersura y cincelado del mármol".

La piedad de Miguel Angel (ciudad del Vaticano)

La Piedad del Vaticano (en italiano Pieta) es un grupo escultorico en mármol, realizado por Miguel Angel entre el 1498 y 1499, se encuentra en la basílica de San Pedro del Vaticano.

Esta obra es de forma redondeada, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

La virgen Maria joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que intencionadamente aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la virgen Maria es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de la belleza y juventud.

 La obra fue encargada por el cardenal de San Dionisio Jean Bilheres , benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció a Roma. El contrato se firmo el 26 de agosto de 1498 e estipulaba que la obra debería ser terminada antes de un año, y en efecto dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro.

El artista contaba entonces con 24 años, había trabajado los dos últimos años en la realización de las figuras de la Virgen con el cuerpo de Cristo en las Rodillas. Miguel Angel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol mas apropiado, sobre el que después no haría mas que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Angel en el interior de un bloque de mármol esta contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado.

Detalle de "la Piedad"

Cuando la obra fue terminada algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Angel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse Buonarroti en un ataque de furia grabo a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza en pecho de la virgen puede leerse: "Michael A(n)gelus Bonarotus Florent(inus) Facieba(t)" ("Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo").

En esta escultura predominan tres armonías de contraste:

• Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesus  (lineas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos anulados de los vestidos de la Virgen Maria:
• Segunda armonía El brazo derecho de Jesus cae inerte. Este se con traspone al brazo izquierdo de la virgen, que esta lleno de vida  y conmiseración.
• Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedales forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesus, expresados en "sfumato"

Representa como mencionamos, el ideal de belleza del renacimiento.

El 21 de mayo de 1972 (día de pentecostés) la imagen sufrió un atentado cuando un geólogo australiano de origen húngaro llamado Laszlo Toth golpeo en apenas unos segundo el rostro y uno de los brazos de la Virgen con un martillo en quince ocasiones mientras gritaba yo soy Jesucristo, resucitado de entre los muertos! rápidamente fue reducido y detenido.

La estatua sufrió graves daños, sobre todo en la figura de la virgen: el martilleo había quitado cincuenta fragmentos, rompiendo su brazo izquierdo y el codo, mientras que la nariz estaba prácticamente destruida, así como los párpados. La restauración se inició casi de inmediato, después de un periodo de estudio y se llevó a acabo en la mayor medida de lo posible mediante la reutilización de los fragmentos originales, así como una pasta echa de pegamento  y polvo de mármol. Se llevó a cabo en unos laboratorios cerca de los Museos Vaticanos. Desde entonces, la Piedad esta protegida por una pared de vidrio especial a prueba de balas.

Podrás conocer y ver personalmente esta obra sin igual única al mundo, reserva con anticipación el tour a la Basílica de San Pedro.

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EL TODO DONI A LA GALLERIA DE LOS UFFIZI!!

RESERVA LOS BOLETOS PARA ADMIRAR LA CELEBRE OBRA DE MIGUEL ANGEL A LA GALERIA DE LOS UFFIZI!!

Miguel Angel, en el 1504 pinto el famoso Tondo Doni por encargo del mismo Agnolo Doni. Según el Vasari como ocasión de su matrimonio con Magdalena Strozzi. Las medias lunas que están presentes en el marco del cuadro recuerdan el escudo de armas de la familia Strozzi.

Según otra hipótesis el cuadro fue ejecutado en ocasión del bautismo de la primera hija Maria como harían pensar las alusiones a la teología del bautismo.

Tondo Doni a la Galería de los Uffizi 

Una vez terminada la obra Miguel Angel la mando mediante un muchacho al Doni que se lo devolvió porque no quería "gastar tanto por una cuadro" como declara el Vasari.

El marco original fue diseñado por el mismo Miguel Angel. En el cuadro domina la presencia física como forma maciza y consistente en las figuras que tienen contornos precisos y concretas masa plásticas que se mueven en direcciones opuestas y crean el espacio de la accione. Los colores escogidos muestran las formas del cuadro.

Las figuras que se mezclan entre ellas con movimientos a espiral, se presentan en manera inédita: la virgen en primer plano, representada sin velo y sin el bebe en el vientre materno, pero que se voltea a cogerlo de Jose que esta de rodillas detrás de ella.

Miguel Angel quería de esta manera representar el enlace entre un mundo pagano y el mundo cristiano. Esto explicaría el movimiento nada natural de Maria (que junto a Jose representan el antiguo testamento) mientras el niño  Jesus en posición mas alzada representa el nuevo testamento

Los desnudos recuerdan estatuas antiguas que Miguel Angel admiro durante su estadía en roma y anticipando los desnudos  de la Capilla Sixtina a Roma. 

Reserva el boleto para saltar la cola a la Galería de los Uffizi clicca aquí o llama al numero 0039 055 2670402.

MIGUEL ANGEL A LA GALERIA DE LA ACADEMIA DE FLORENCIA

¡Reserva el boleto para visitar el David  y los prisioneros (i prigioni ) de Miguel Ángel!

Miguel nació en Caprese (provincia de Arezzo) el 6 de marzo de 1475 donde se encontraba  la familia por motivos de trabajo del padre  Ludovico Bonarroti como magistrado. Solamente pocos meses después de su nacimiento, la familia regreso a Settignano sobre las colinas florentinas.

 En el 1488 Miguel Ángel  (aunque si el padre era en contra) entro como aprendiz en la bodega de los hermanos Ghirlandaio pero donde se quedo solo un año porque  luego de la sugerencia de Francisco Granacci inicio a frecuentar el Jardín de la casa de los Medici en San Marco.

Gracias a la frecuentación de la Academia Artística  (subvencionada propio por Lorenzo el Magnifico) tuvo modo de conocer Marcilio Ficino), Poliziano e Pico de la Mirandola además de algunos de sus comitentes como Piero, Giuliano, papa Leone X y Clemente VII.

Esclavo Atlante

En el 1496 dejo Florencia para ir a trabajar a Roma  en la obra encargada por el cardinal Jean Bilheres. La piedad representa la primera obra maestra realizada en mármol de carrara.

El 16 de agosto de 1501 la Opera del Duomo de Florencia encargo a Miguel Ángel la realización de la estatua del David que debería haber sido colocada en la Plaza del Duomo.

El bloque de mármol asignado a Miguel Ángel había sido ya usada en parte por Agustino Duccio que a pesar de las dificultades al inicio logro completar la obra en tres años.

Para los florentinos el David se convirtió en el símbolo de la ciudad  que una comisión formada por los mejores artistas del periodo entre los cuales Filippino Lippi, Sandro Botticelli, Simone del Pollaiolo y Leonardo da Vinci decidieron de colocar la estatua en la Plaza de la Señoría.

Con el fin de tutelar la estatua del mal tiempo en el 1873 fue llevada en el interior de la Galería de la Academia donde al inicio del siglo pasado (1909) fue alcanzada por los cuatro prisioneros (en italiano i prigioni) del artista.

Miguel Ángel inicio a trabajar a los prisioneros (i prigioni) en el periodo en el cual era ocupado a la Sacristía  Nueva de San Lorenzo. 

Inicialmente debían ser 40, luego veintidós y al final los De la Rovere pidieron solo 6 esculturas. Dos de esos (los únicos terminados) se encuentran ahora en el museo de Louvre. La función de ellos era la de mover la arquitectura del monumental sepulcral donando un censo tridimensional de todos juntos.

Las cuatro esculturas incompletas, denominadas  Esclavo joven (en italiano Schiavo Giovane), Esclavo Barbudo (en italiano Schiavo Barbuto), Atlante e Esclavo que se despierta (en italiano Schiavo che si desta), permiten de profundizar  la técnica escultural de Miguel Ángel, que inicialmente encaminaba el bloque tirando afuera la vista principal y luego contemplaba el resto cincelando el material que lo rodeaba.

La  atención de Miguel Ángel en modelar los prisioneros (i prigioni) e volteada del lado del torso, dilatado y contraído, en movimiento y en tensione mientras los lineamientos de la cara quedan indistintos hasta el final.

Evita las colas reservando el boleto a la Galería de la Academia clicca aquí o llama al 0039 0552670402